日前，新編京劇《齊白石》在保利·山東省會大劇院上演，演出現場反響熱烈，既有老戲迷的頷首贊許，也有年輕觀眾的熱情叫好。暖意融融的觀演互動，激發了人們再度思考——傳統戲曲創新，難在哪里，路在何方？
以戲塑人的舞臺表達
《齊白石》用兼具藝術性與觀賞性的表達，證明了新編戲可“守正不僵化，創新不離譜”，其摒棄了“生平流水賬”模式，以齊白石“衰年變法”為核心，聚焦其從“謀食”到“謀道”的精神突圍，用七場戲串聯起他在陳師曾點撥、梅蘭芳砥礪下，掙脫世俗非議與內心困頓，最終形成“紅花墨葉”獨特畫風的過程。這種“以小見大”的敘事，讓有血有肉、有掙扎有堅守的藝術家形象在舞臺上鮮活起來。
令人印象深刻的，是該劇創作者堅守與創新的精準平衡。表演上，該劇行當與流派精準賦能，用奚派老生飾演齊白石，清雋雅致貼合文人氣質；用葉派小生飾演梅蘭芳，俊逸舒展，兩大流派交相輝映，一改不少新編戲“行當模糊、流派弱化”的弊病。編劇還創造性設置“神思”與“塵想”兩個虛擬角色，將齊白石內心掙扎具象化，用程式化身段與對唱替代冗長旁白，既解決現代戲“內心難演”的難題，又彰顯京劇程式之美。
舞臺呈現上，《齊白石》做到了“寫意傳神”。21道升降紗幕構成水墨舞臺，以宣紙為意象、投影為墨，虛實轉換流暢，未堆砌繁瑣實景，卻通過光影濃淡模擬國畫暈染效果，契合中國畫與京劇共有的寫意、留白之美。劇中，齊白石提筆、暈墨等動作被轉化為京劇身段，以戲寫畫、以演喻創，讓藝術創作過程可看可感。音樂上，該劇保留奚派、梅派經典韻味，融入北京童謠、京韻大鼓等元素，貼合人物氣質又增添地域色彩，實現“守正融新，自然無痕”。
文化學者王曉燕認為：“這部劇沒有丟掉京劇的根，卻用當代觀眾能理解、能接受的方式，講述有溫度、有深度的故事，這或許是新編戲立得住的關鍵。”
變與守，兩難選擇
近年來，舞臺上并不乏優秀新編戲，在濟南上演的多部作品都收獲強烈反響。
比如京劇《大宅門》就讓山東戲迷回味良久，這部劇凝結著郭寶昌70年的京劇情緣，由他與“80后”京劇女導演李卓群聯合執導，是京劇與影視大IP融合的市場化探索典范。創作中，團隊在京劇音樂中融入昆曲曲牌與電視劇原聲，舞蹈融入現代芭蕾與探戈，更邀藍玲團隊打造融合史實與當代審美的重工戲服。李卓群直言，這是“做給年輕人看的京劇”，以青年視角打破次元壁，實現了經典IP與傳統戲曲的雙向賦能。
另一部優秀新編京劇《西安事變》，由于魁智、李勝素、朱強等梨園大家聯袂主演，以重大歷史事件為題材，堅守“真實反映歷史”的創作要義，聚焦張學良、楊虎城的愛國抉擇。于魁智塑造的少帥以高寬厚的嗓音演繹激憤決絕的西皮唱段，將背負家仇國恨的內心掙扎詮釋得淋漓盡致，一招一式盡展凜然大義。舞臺以鐘樓剪影、枯枝雪景等簡潔舞美勾勒時代意蘊，傳統京劇樂隊融合交響樂隊，讓國粹之美與家國情懷相融，巡演所到之處場場火爆。
不可否認的是，絕大多數新編戲仍面臨市場的審慎態度。部分新編戲引發爭議——有的用宏大舞臺特效掩蓋內容空洞，有的為追求“創新”隨意顛覆戲曲程式，將京劇唱成“歌劇”“話劇”，有的盲目跟風堆砌流行元素，忽略劇種本身藝術特質，最終淪為“四不像”。
深耕新編戲創作的戲曲編導孫霆則直言：“現在做新編戲就像走鋼絲，既要守住傳統的根，又要跟上時代步伐，稍不留神就會被罵‘不尊重傳統’或‘創新過度’。”
“爭議焦點集中在守正與創新的失衡。”王曉燕分析，“此外，新編戲缺乏長期舞臺打磨和固定戲迷群體，不少劇目演出幾場后便銷聲匿跡，難以傳得開、留得久。”
這種兩難，在新編戲與網上“爆改戲曲”中形成鮮明對比。短視頻平臺上，《鎖麟囊》旋律魔改的京劇版《哆啦A夢》爆紅網絡，朋克搖滾版《定軍山》收獲百萬點贊；《赤伶》《探窗》等京腔歌曲傳唱度極高，“95后”麒派傳人李政寬打造爆火的京腔民謠《武家坡2021》更成為出圈代表……這些“神操作”有的格外抽象，甚至顛覆了傳統唱腔與身段，卻能獲得喜愛，催生傳統文化“爆米花化”現象。
《小紅書年度生活趨勢》顯示，“Z世代”擅長將互聯網娛樂精神融入傳統文化，特別是進入豎屏時代后，為適應現代市場要求，戲曲人、“UP主”也主動求變，部分作品在形式內容上趨向了快餐化、娛樂化、碎片化。這其實也引起了持續的爭論，贊許者認為這是青年激活文化基因的嘗試，批評方憂心傳統文化的“形”被解構、“神”所剩無幾。
其實，贊許聲和批評聲交織下的變化，一直都在。京劇本身就是融合徽戲、漢戲、昆曲、秦腔等眾家之長的創新產物。民國初年，汪笑儂創作的京劇史上第一部外國題材劇目《瓜種蘭因》，影射清政府腐敗無能，彼時便被贊為“演劇改良之開山”，尚小云排演《摩登伽女》引入鋼琴伴奏與蘇格蘭舞蹈，梅蘭芳赴美演出將《汾河灣》更名為《一只鞋的故事》，以懸念戳中海外觀眾，均未折損藝術成色。
細看舞臺上和小屏里的“變化”，二者差異的核心，實質上是“定位與期待不同”。對于網上“爆改戲曲”，觀眾希望得到新鮮有趣的視聽體驗，而非傳承經典。這些作品時長短、節奏快，貼合年輕人的觀看習慣，更像是“文化符號借用”，用戲曲元素包裝流行形式，讓觀眾在娛樂中淺嘗戲曲文化的魅力，也是一種有效傳播。更重要的是，它們無需承擔傳承使命，不用接受專業評判，創作自由度高，觀眾也不會用專業戲曲標準要求它們。
以戲為核，尋脈向新
近年來，京劇名家王珮瑜一直在尋找守正與創新的平衡點，其打造的品牌演出“清音會”，以極簡置景保留經典唱段的原汁原味，又通過脫口秀、互動等形式拉近與觀眾的距離，實現“90分鐘讀懂老生”的效果，適配當代觀眾“快消費”口味卻不脫離藝術內核。李卓群也在市場化探索中找到創新路徑，提出“先找到，再買票，坐得住，回得來”的理念，主張從創作初期就考量市場與傳播，挖掘作品閃光點。這一系列的探索，都在實踐中詮釋著戲曲創新的本質，也讓我們對何謂戲曲之“正”、何謂戲曲之“新”，有了更真切的體悟。
正，說到底是每個劇種不可替代的個性：昆曲尚雅，京劇兼容南北，地方劇種彰顯地域文化；正，也是“四功五法”的規范與技法的“服務意識”。京劇武凈演員錢寶森曾言：“底兒砸得瓷實，戲就好學啦。”沒有扎實的基本功，創新便是空中樓閣。但規范不等于僵化，B站跨年晚會版《三打白骨精》中，秦腔吹火強化白骨精的邪惡本質，婺劇大攀紂棍凸顯孫悟空的英勇，川劇變臉讓角色變身更具神秘感，所有絕活皆緊扣人物塑造與劇情推進。孫霆談及創作意圖時，就表示“每個絕活都要為故事服務，不能為了炫技而炫技”。這正是“守正”的生動詮釋。
新，則是破界生長的生命力。青春版昆曲《牡丹亭》讓古典文辭與當代審美相融，越劇《新龍門客棧》糅合武俠與程式，打破敘事邊界。“新”還是程式的創造性轉化與思想的精彩呈現，梅蘭芳曾說“移步不換形”，他對《宇宙鋒》的改編更是將“繼承傳統”與“接洽時風”完美結合，在堅守古典形態美的基礎上融入近代女性心理特征，成為創新典范。
更為關鍵的是，保護傳統文化絕非圈養，必須要讓其回歸生活。戲曲“爆米花化”，從某種程度上來說，讓人們看到了文化傳播與傳承的美好前景。但也要始終警惕，若只留視覺沖擊、忘記借藝術表達傳遞情感，戲曲就只剩空殼。
“首先要姓‘戲’。”李卓群接受采訪時表示，守正創新，首先要明確京劇的根和魂在哪里，再從藝術視角出發，結合時代的審美以及前沿的表現形式進行創新。
對觀眾而言，也需培養區分“看門道”與“看熱鬧”的能力。“爆米花戲曲”可作為入門契機，但不應是審美終點，從業者唯有讓流量真正轉化為對戲曲本身的熱愛，守住通俗性、技藝性和觀賞性的統一，讓觀眾能品味聲腔韻味、身段講究、程式精妙時，戲曲才真正完成代際傳遞，成為恒久的中國式浪漫的文化圖騰。
轉自：大眾日報
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